무용

classic ballet
classic ballet

미국 무용은 토착 요소와 외국 요소가 혼합되면서 발전하였다. 18세기와 19세기 동안, 무용은 대부분 극장이나 음악당이 아닌 가정과 지역 공동체에 중점을 두고 이루어졌으며 공공 경축행사 또는 연예행사에 포함되지도, 관중 앞에서 공연되지도 않았다. 그 후, 무대에 올려진 초기 연예 공연에 민속무용이 포함되었다. 일반적으로 사학자들은 미국 무용의 기원을 중요한 토착 무용단 및 무용수가 배출되기 시작하던 19세기 말로 보고있다.

20세기까지 대부분 무용가는 음악 홀이나 풍자적 희극(burlesque) 또는 보드빌 같은 대중 무대에서만 전문 무용가로 일했다. 당시, 보드빌 쇼는 탭, 토우댄싱(toe), 무용을 통한 희극 및 인물에 관한 묘사, 아다지오 무용단, 볼륨댄서, 스커트 댄싱, 예술무용 및 해석무용, 다양한 민족 고유의 춤 등을 선보였다. 1735년 헨리 홀트가 미국 최초의 “발레”로 알려진 작품을 만들었지만, 20세기가 될 때까지 어떤 상임 무용단도 완전한 발레 작품을 무대에 올리지 못한 채 발레는 단지 부가적 존재로 오페라에 다소 첨가되었을 뿐이다.

20세기 초, 유럽 무용단이 순회공연을 하면서 처음으로 미국 관중은 대규모로 고전발레를 접하게 되었다. 1930년대는 발레 부문의 선구적인 10년이 되었다. 세계적으로 인정 받는 안무가 조지 발란친, 앤터니 튜더, 제롬 로빈스의 독창적이고 미학적인 영향을 받으며 미국 발레는 점차 고유의 모습을 형성해갔다. 세 명의 안무가 모두 미국의 선두 발레 조직인 미국발레스쿨(1934년 설립되어 1948년에 뉴욕시립발레단으로 변경 됨)과 1940년 설립된 미국발레극단에서 활동했다. 오늘날 미국의 발레 무대는 복고풍의 고전작품과 독창적 신작이 함께 어우러져 있다.

또한20세기 초에는 명확히 미국적이라 할 수 있는 새로운 예술 형태, 현대무용이 태어났다. 현대무용은 엄청나게 다양한 무용가, 안무가 및 유형을 포괄하는 개념이다. 이들 사이에 공통점이 있다면 단일 유형이 아니라 접근법이라 할 수 있다. 하나의 총체적 표현 매체로서 현대무용은 아티스트가 자신만의 세계관을 표출하고 자신의 육체적 형태를 통해 이를 구현하도록 해 준다. 초기 혁신적 무용가 중 한 명인 이사도라 던컨은 고전 발레에서 요구하는 자세 대신 순수(pure), 비정형(unstructured) 동작을 강조했다. 그리고, 뉴욕에 위치한 마사 그레함의 무용단이 현대무용으로 가장 잘 알려져 있었다. 그 후, 안무가들은 새로운 표현방식을 추구했다. 머스 커닝햄은 즉흥성과 임의 동작을 무용 공연에 도입했고 앨빈 에일리는 아프리카 무용 요소와 흑인 음악을 흡수하였다. 최근에는 마크 모리스 및 리즈 레르만를 비롯한 일부 안무가들이 무용가는 날씬하고 젊어야 한다는 통념을 버리고, 우아하고 흥미진진한 동작은 나이와 체형의 제약을 받지 않는다는 믿음을 무용가 선정 및 공연을 통해 직접 표출하였다.

현재, 미국 현대무용이 가장 독창적인 발전을 이루고 있는 곳은 환태평양의 독특한 예술 향이 묻어나는 서부해안 지역일 것이다. 샌프란시스코와 로스엔젤레스에서 활동하는 패트릭 마쿠아케인은 자신의 무용단(Na Lei Hulu I Ka Wekiu)을 통해 하와이 무용계에 혁신 바람을 일으키고 훌라로 알려진 민속무용의 의미를 다시 규정해 왔다. 샌프란시스코에서는 또한 릴리 카이(Lily Cai) 중국 무용단이 중국의 전통 경극, 국제 팝, 최신 포스트모던 무용을 미국 고유의 방식으로 결합한 작품을 선보이고 있다. 그리고, 흑인 무용 지지자로 가장 젊고 독창적인 인물은 로버트 모지스다. 그의 서부해안 무용단(Robert Moses’ Kin)은 재즈, 블루스, 랩, 시, 일상 이야기, 자유로운 동작, 격렬한 포스트모던 구문을 새로운 작품에 통합하여, 흑인 삶의 일면을 보여주고 보편적인 무용 메시지를 전달할 뿐 아니라, 무엇보다 관객에게 매혹적인 관람 경험을 제공한다.